头图加载中...

loading

一个人欧洲火车自由行30天--奥赛美术馆

  • 出发时间/2015-10-23
  • 出行天数/30 天
  • 人物/一个人
  • 人均费用/30000RMB

关于奥赛

慕尼黑巴黎,6个小时的火车。休息了一晚,看看地图,离酒店只有不到5公里,决定不坐地铁,走过去。也可以看看街景。虽然地铁快,但什么都看不到,不喜欢。一路走过去有点后悔。从巴黎东站出发,好像走进了红灯区,周围都是卖假发的,还有很多黑人和中东人站在街角,眼神凶狠。十一月底,已经有点冷了,天阴沉沉的,心情也跟着阴沉起来。这是在欧洲最后两天了。明天就要回北京,要面对那些根本不想面对的人和事。不是不绝望的。
走着走着,雨下来了,越来越大,头发都湿了,还好衣服是防水的。沿着塞纳河疾步快走,周围也没什么行人。巴黎爆炸案刚过2周,据很多人说这是他们从没见过的这么少人的巴黎。从这个角度想,我还是很幸运。博物馆就在塞纳河边上,远远地能看见一个很漂亮的摩天轮。(摩天轮这玩意就是远远的看着漂亮。其实坐上去很无聊。)

奥赛博物馆与卢浮宫、蓬皮杜中心一道被称为巴黎三大艺术博物馆。馆内主要陈列1848年至1914年间创作的西方艺术作品。一个火车站改造的美术馆。

法国人也都是”不自夸会死“”族的,号称什么欧洲最美的博物馆,其实欧洲博物馆漂亮的多了,也不见得就是最美的。但这个博物馆在印象派的展品上无出其右。

好爱这两幅啊……

各种流派

有的我也不知道是什么流派

古典主义与学院派

格拉纳达摩尔国王不加审判的处决, 亨利 勒尼奥 1870
画家笔下的执行者手起刀落,受害者甚至不及改变姿势便人头落地。

作 者:威廉·阿道夫·布格罗 - william Adolphe bouguereau
作品名称: 但丁与维吉尔在地狱中dante et virgile au enfers
作品尺寸:225x281
作品年代:1850
作品材质:布面油画 oil on canvas
《但丁与维吉尔在地狱中》,这幅画的主题取自于《神曲》中所描绘的,但丁被维吉尔邀请一起游览地狱的场景(左边的2个路人才是但丁与维吉尔,头戴橄榄枝环的是但丁)。

但丁作为13世纪最具神话特色的诗人,他因主张自由而反对教皇,被教会流放。但是他却成为了封建中世纪向现代资本主义过渡的开端。

维吉尔是古罗马诗人(公元前70-19年),被公认为“罗马最伟大的一位诗人”,他的三部主要作品中,前两部都是田园牧歌式的诗歌集,《牧歌集》(Eclogues)和《农事诗》(Georgics),第三部是屋大维打败所有敌人而成为罗马第一位“奥古都斯”的历史巨变发生后,维吉尔下定决心编写一部巨著,讴歌罗马帝国历史的叙事性长篇诗歌:史诗《埃涅阿斯记》(Aeneid)。这是罗马诞生的另外一个版本:特洛伊战争中,希腊人打败了特洛伊人,特洛伊王子埃涅阿斯(Aeneid)逃出来,历经艰辛四处漂泊,最后来到罗马定居,他带领的一批幸存的特洛伊人成为后来的罗马人的祖先。这个版本与“母狼养大的两个孩子创建罗马”同样著名。但丁和他时隔1300年,但但丁却视他为老师。


威廉·阿道夫·布格罗,唯美主义画派大师,所描绘的内容,以寓言、神话、爱情为主,喜欢以宁静,幸福理想化来表现。
这幅画却一改布格罗作画常规,以狂烈,鲜明的色彩,来表现地狱的七宗罪——傲慢、妒忌、暴怒、懒惰、贪婪、贪食及色欲。在画面最中心的位置,是2名互相厮打的罪人,其中一人抓住另一人的侧腹,并撕咬他的喉咙,这说的是暴怒。紧接着他们后面,是一名无力摊躺在地上的人,他漠视眼前发生的一切,这说的是懒惰。而更远处,的人群,分别描绘了傲慢、妒忌、贪婪、贪食和色欲。
布格罗这幅《但丁与维吉尔在地狱中》,一改以往柔美的人体,将肌肉画得相当详细,动作刻画得相当夸张,要数布格罗生涯中最有张力的画面之一。地狱中的罪人,表情痛苦狰狞,为他们生前犯下的罪孽赎罪,而但丁和维吉尔在一旁默默地看着,维吉尔一只手挡在但丁身前,意为不要去干涉他们。布格罗将心中的七宗罪用这种方式排列了顺序,最忌讳暴怒,然后是懒惰,这也正符合布格罗的性格。以平静的心态对待生活,以勤奋的心态对待艺术。所以在他的大部分作品中,主题往往都是轻松自然,宁静而欢快的。如果说布格罗的一生是一幅画的话,那么《但丁与维吉尔在地狱中》这幅画就是布格罗人生之画的最重要的对比色,它既是布格罗也是反布格罗。(节选于有画网)

这幅画不出名(因为我没找到作者)。画中一家子肯定是中产以上。衣服的料子反光和狗身上的毛色显示了作者非常细腻的笔触,不过人物脸上的表情也很呆滞。我猜作者应该是技巧很好却没什么自己想法的,或者画这幅画只是为了谋生……

颓废的罗马人 1847年
托马斯 库提尔 
罗马的祖先们建造的威严、井然的建筑中,罗马的男女们开始过着纵情酒色的生活。巨大的罗马立柱间耸立着先贤们的大理石雕像,位于中心的是格马尼库拉斯,他代表着一个曾经注重道德的时代。右上角一个喝醉的人甚至爬上雕像,试图让石头和自己一起狂欢。在右下角,两个远道来访的日尔曼人冷眼旁观着这颓废的景象隐喻了罗马帝国日后将亡于日尔曼人手中的结局。历史确实是这样的罗马帝国的衰败并非源于早期的穷兵黩武,而是根源于后来的繁荣稳定导致的罪恶丛生、道德沦丧。

sorry 太大了,拍的有点歪……学院派的作品有点像中国年画,到处都是,出场人物太多,看的目不暇接。大多还有些故事在里面。也难怪,中世纪开始那些画作都是为了宗教原因而做的。而我们认为的大师,在教皇眼里不过是装饰墙面和屋顶的工人……也许艺术最基本的价值就是装饰吧。其实这也是没错的,现在亦如此。

东方派

十九世纪,突然欧洲人开始对东方的东西痴迷,不管是中国的罐子还是中东的女人。绘画也开始流行起来。不过我怀疑他们把一切不属于欧洲的都称为东方派……

据说这乱七八糟的一坨坨叫“猎狮”

充满色情幻想的“温水浴”,没去过东方的作者,混搭了古罗马风格的东方派作品。

Étienne dinet,法国法官的儿子。1889年在萨米年在世界博览会创办美术的国家红会赢得了绘画银牌。1887年在卢森堡博物馆出任法国画家东方学会理事。1913年正式皈依伊斯兰教。作者的画作大部分是伊斯兰教风格,非常写实非常细腻。

乡村

晚祷没看见,不过拾穗者在一楼很显著的位置。

这副技巧好的简直就是照片! 尼维尔的耕作 1849

巴比松画派

利尔 亚当树林的林荫大道 1849

很喜欢的一幅画,可惜拍歪了……

橡树与水潭 1850-1855

枫丹白露林,1867

印象派

起源

爱德华马奈对他的老师说(他老师是谁?)“画我自己看到的而不是画取悦别人的,画真实的,而不是凭空想象的东西”这就是1870年印象主义的起源。这一画派主张以绝对真诚的眼光观察世界和自然。

爱德华·马奈(édouard Manet,1832.01.23 - 1883.04.30)是19世纪印象主义的奠基人之一,1832年出生于法国巴黎。他从未参加过印象派的展览,但他深具革新精神的艺术创作态度,却深深影响了莫奈、塞尚、凡高等新兴画家,进而将绘画带入现代主义的道路上。受到日本浮世绘及西班牙画风的影响,马奈大胆采用鲜明色彩,舍弃传统绘画的中间色调,将绘画从追求三元次立体空间的传统束缚中解放出来,朝二元次的平面创作迈出革命性的一大步。

马奈出生于巴黎,父亲是内务部首席司法官。父母希望儿子学法律或当海军军官。16岁的马奈在开往巴西轮船上当见习水手,旅途中大自然的魅力深深诱发了他那用色彩和线条描绘自然美的激情。在18岁时毅然走进巴黎古典主义画家托马斯·库迟尔的画室学习绘画。在这里前后学6年之久,受到严格的绘画基本功训练,获得了扎实的造型功力,但他不满古典主义。在这期间,他常到卢浮宫观摩历代大师作品,并游历德国意大利荷兰比利时,以独立自主的见解获取了在画室中难以得到的真正清新厚实的艺术修养。   

马奈受过良好教育,养成一副绅士派头,自视清高,热情奔放,不受拘束,追求独立自由,他反对保守,同情进步,维护共和主义,具有自发革命意识。19岁参加过革命暴动,还曾和德加、巴齐依参加过国民自卫军,年轻画家巴齐依阵亡。他同情巴黎公社起义,还被选为公社艺术家联盟委员,这些都是他对自由的忠诚和浪漫的激情所致。当他把全部渴望自由的生命和热情转向艺术时,他在绘画中开辟了一个新时代。29岁的马奈在沙龙展出《西班牙吉他演奏者》,在巴黎画坛上崭露头角。他的画具有古典造型基础,又有明亮鲜艳、光与色的整体表现,仍保持着形象的真实感。   

31岁时,在落选沙龙展出《草地上的午餐》,在巴黎引起轩然大波,并遭到拿破仑三世和舆论的攻击。而左拉却肯定他的艺术。马奈总是以古典的高贵气质和华丽美艳的印象派色彩一直交融在自己的画中。1882年沙龙展出了他生前最后一幅作品《福利·贝热尔的吧台》,因而获得极大成功,官方授予他“荣誉团勋章”。病中的马奈说:“这实在太晚了。”第二年的4月30日,马奈永远离开了他热爱的光和色的世界。



所以这幅吹短笛的男孩就成了印象派起源的代表作……

弗雷德里克·巴齐耶(Jean Frédéric Bazille 1841-1870)生于蒙彼利埃一个信奉新教的资产阶级上流家庭。巴齐耶在巴黎时学习医科和绘画,医科使他厌烦,并很快导致学业的失败,绘画则使他心旷神怡。

弗雷德里克·巴齐耶在瑞士画家格雷尔的画室报名和习画时,他结识了莫奈、雷诺阿、西斯莱三位画家,并很快结为挚友。巴齐耶虽然生活也不是十分富足,但却能经常帮助他们。巴齐耶时而同莫奈,时而同雷诺阿一起在阳光下作画。人们公认巴齐耶比任何人都更醉心于表现明亮色彩和描绘空气的清新。命运就这样把印象派的先驱们联系在一起,尽管他们自己并不晓得是在为十几年后的画派进行准备.
 
在创建印象派的画家中,弗雷德里克·巴齐耶是最积极热情的一个,也是被朋友们认为最有天分的一个。但是到该画派开始与公众见面这一刻,即1874年第一届印象派时,巴齐耶却不在他们中间了。巴齐耶参加了朱阿夫团队,并在战争中丧生。新诞生的印象派失去了它最杰出的一员.在随后的一些年中,人们时常忘记这位在战斗中捐躯的画家。

不过,岁月终将恢复事物的本来面目,使我们发现弗雷德里克·巴齐耶的过人之处。巴齐耶似乎在库尔贝和他本人所代表的印象派之间,起了承前启后的作用。巴齐耶使人们了解到十九世纪的美学革命是如何合乎逻辑地连贯发展,并因此在与古典主义的联系方面,远远超过有关人士的认识。倘若巴齐耶没有死去,而是象人们可以想见的那样,成为印象派的一位大师,其作品的作用反倒可能不会如此卓越。我们从巴齐耶的画中可以看到惊人的熟巧,并且每幅作品都是雄强有力和完整统一的。

这幅家庭画像虽然不是耳熟能详,但在很多场合都见过……有的网站拿来配《贵族之家》小说封面,也是醉了

草地上的午餐。当年马奈备受争议的一幅画。说争议都是客气的。

他在1863年将它提交给每年一度的美展评委会。了解美术史的人一眼便会认出,它的主题借鉴了16世纪威尼斯画派画家乔尔乔尼或者提香的一幅名作《田园协奏曲》,当时的专业人士和批评家自然也不列外,因为这张画就收藏在卢浮宫。《田园协奏曲》已经是一张很隐晦的作品,画面上的每个人物都具有象征性的内涵,有人推测他们表现的是希腊神话中缪斯女神与抒情诗人。与之相比,马奈想要表达的意图就更加令人费解了。他在郊外的草地上画了四个现代人:左边的裸体者是他最喜欢用的模特;中间的是他自己的兄弟;右边戴帽子的是一位雕塑家,他不久也成立马奈的亲戚;远处的女子不可辨认。评论家们怎么看也认为,无论是优雅的造型还是严谨的色彩,马奈作品都根本无法与文艺复兴的前辈相比。他涂抹颜料的手法显得过于粗率,而且把裸体的女性画在衣冠楚楚的绅士旁边,实在很不得体。
  1863《草地上的午餐》年在落选者沙龙中展出,引起了世所罕见的轰动,他直接表现尘世环境,把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起,画法上对传统绘画进行大胆的革新,摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调,代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块,这一切都使得官方学院派不能忍受。此画在构图上,把人物置于同一类树木茂密的背景中,中心展开了一个有限的深度,中间不远的地方那个弯腰的女子,成为与前景中三个人物组成的古典式三角形构图的顶点。在技法上,把绘画作为二度表面的主张又向前推进了一步,在对外光和深色背景下出现作了新的尝试,因此此画在艺术技巧和历史意义上都是一个创新。
  观众对这幅画的内容有点不习惯,巴黎的现实生活中还未曾见到过此种情景。有人说,画家这样构思现代人的生活方式,实在荒唐透顶。如果画上没有两位潇洒的青年,那不就是法国人所司空见惯的,并为各时代的西方绘画所常有的出浴图或神话人物狄安娜之类的油画了吗?如果也把两个男子的衣服脱去,那不就与拉斐尔或丁托莱托的神话题材的裸体画差不多了吗?正因为这个裸体女子在两个衣冠楚楚的巴黎现代男子中间,被强烈地反衬出来,严重的冲击着人们的情感。在展览会上,开明的法国绅士也指责马奈,说他的色彩太“缺乏修养”了。
  这幅画在展厅里出现,简直就像在华丽的建筑物墙上凿了个大窟窿,非常引人注目。画上不论人物还是色彩的明暗,都充满着鲜明的对比。构思如此奇特。它们与学院派的“章法”毫不相干,连现实主义画家也惊呆了。这就是马奈这幅重要代表作在当时的情况。

莫奈 花园中的女人

发展

上面这几幅大家都很清楚吧。没去成橘园美术馆还是有点遗憾

维克多山 保罗塞尚 1890
As I said, 艺术鉴赏是一件非常私人的事情,每个人的审美就是不一样的。比如说我,我就是看不上塞尚的作品,无论他的名气多大。当然,我看不上的还有很多人……在这个博物馆,高更也算一个

 西斯莱也是印象派的重要成员,早年与莫奈是同学。他在世时没有什么名气,在印象派中的荣誉也不及前面介绍的几位画家。其原因可能主要是他没有创造出自己独特的风格,也未给予其他人任何较大的影响。他一生除了陶醉在自己酷爱的色彩梦之外,对什么也不感兴趣。关于他的思想和生活也知之甚少,仅知道他是一位个性谦和、非常腼腆的人。

    西斯莱生于巴黎,但父母都是英国人。他在巴黎接受教育后,到伦敦进入一家商行工作。可是他热爱文学和绘画,1862年又重新回到巴黎,进了格莱尔画室,在那里结识了莫奈、雷诺阿等人,从此开始了他的印象派画家生涯。他受莫奈画风的影响较大,以风景为主要素材。他特别擅长描绘天空,他所画的天空辽阔、深远,色彩变幻丰富,充满大气的感觉。

在西斯莱约八百幅油画作品中,大多是风景画。并且在其一生中,作品没有深刻的变化,或许正因为他不那样具有革命性,终其一生,所以西斯莱并没获得应有的重视及评价。当然他热爱大自然的天性和朴实的情感在创作上是表露无遗的。

毕沙罗曾表示,西斯莱是最纯粹的印象派画家,因为他坚守原初的作画理念——透过光与色彩的表现来捕捉自然风景瞬间的真印象。他来到巴比松时为柯罗作品上那种明媚阳光照耀下清新而庄严的画境所吸引,他在继承巴比松画派风格的同时,在色彩和笔触上又表现出印象派的画法。从构图、笔触、光与色的三个方面分析西斯莱分析风景作品的特点:

1.西斯莱式的构图深受柯罗的影响,工整有序,自由而不拘于形式;天空往往占据画面很大的空间,以展示细腻的光影变化; 作品中的人物空间比例小,刻画简练概括;景物的透视性强,不追求任何的夸张形式。

2.笔触是油画的主要造型手段之一,不容忽视.西斯莱作品中以碎点状笔触为主, 起轻快而流畅,结构上厚实而沉稳,奔放而有力地描绘天空和水使其富有轻盈和流动感;而且用笔从不大刀阔斧,以精细的写实手法展现他感受到的点滴光影,表现的物象虽少,但絮语潺潺。

3.画家以色传情,观众见色动情,这对绘画作品的感染力起有不可忽视的作用,美丽田法国风景为西斯莱提供了极为丰富的色彩感,诗人见景生情,胸中出现诗句,画家见景生情,头脑中呈现的形象首先就应是整体的色效果。

自然本身蕴含着无数生动的色彩画面,西斯莱凭着那双长期训练敏锐的眼睛,通过忠实地直观自然和辛勤的艺术实践,去探索大自然色彩的奥秘,打破传统的“固有色”观念.为了提高色彩的纯度和画面亮度,画家将未经调和的颜色并置,让观众的眼睛在一定距离内把颜色调和起来,使画面产生了丰富的色彩效果。真实地再现景物在光线和大气中的虚实系,西斯莱让外轮廓线隐没在大气中,线条在画面上的作用被降低了,突出了形体色块;画家完全不拘于严密轮廓细节的描摹,而是着眼于在现场中迅速捕捉变化着的对象,使画面形成独具风的美的形式。

奥赛很喜欢西斯莱的作品,虽然都是风景,但很纯粹的美。我想这个画家肯定过着他喜欢的人生,画着他喜欢的作品。

雷诺阿是法国画家,最初与印象画派运动联系密切。他的早期作品是典型的记录真实生活的印象派作品,充满了夺目的光彩。然而到了(18世纪)80年代中期,他从印象派运动中分裂出来,转向在人像画肖像画中去发挥自己更加严谨和正规的绘画技法。   

在所有印象派画家中,雷诺阿也许是最受欢迎的一位,因为他所画的都是漂亮的儿童,花朵,美丽的景色,特别是可爱的女人。这些都会立刻把人吸引住。雷诺阿把从他们那里所得到的赏心悦目的感觉直接地表达在画布上。他曾说过:“为什么艺术不能是美的呢?世界上丑恶的事已经够多的了。”他还是女性形象的崇拜者,他说 “只有当我感觉能够触摸到画中的人时,我才算完成了人体肖像画。”   

雷诺阿在印象派绘画集团中是属于较年轻的一个,比莫奈也小一岁。这位艺术家一生的作品大多以明快响亮的暖色调子描绘青年妇女,尤其是她们的裸体形象。他以特殊的传统手法,含情脉脉地描摹青年女性那柔润而又富有弹性的皮肤和丰满的身躯。他虽也画了不少外光风景画和天真无邪的儿童形象,然而裸体与妇女形象占据他一生作品的主流。他的人体油画不同于以前学派画家所追求的那样虚伪和做作。雷诺阿的女人体,洋溢着一种欢乐与青春的活力,一个个都象是伊甸乐园里从未尝过禁果的夏娃,她们悠然自得,魅力惑人。 

人生经历

1840年代-雷诺阿生于法国Haute-Vienne的小镇里蒙,後来随家搬迁到巴黎。   

1850年代-因为在瓷器工厂学画瓷器,而开始绘画之路。   

1860年代-正式在巴黎习画,认识了相当多的画家朋友,包括莫内在内。   

1864年他正式有画进入沙龙展。这段时期雷诺阿的甜美画风大致出现了,他也专注在水面光影的画法改进上。   

1870年代-参加了沙龙落选画展,开始了印象画派的说明和推广。普法战争期间,他曾被政府误以为是间谍而逮捕。这个时期雷诺阿不像卡米耶·毕沙罗,高更等画家走避他乡,而是待在巴黎画了很多街头生活风景做为纪录,这些画作他都用大尺寸的画布绘画,经典之作煎饼磨坊的舞会(Bal du Moulin de la Galette或Dance at  《亨利奥夫人》Le Moulin de la Galette)就是1876年画出来的。此画有1.30米高,1.70米宽,现收藏于法国奥塞博物馆。

1880年代-1881年雷诺阿画出了另一个经典的作品:船上的午宴(Luncheon of the Boating Party)。但在此画之後,他逐渐放弃专注在制造光影的呈现,而趋向于较平实的描绘。这段时期他也旅游到西班牙意大利等国,并结婚生子了。   

1890年代-此时雷诺阿已可算成功的画家,安享家庭和乐的气氛当中,他仍继续绘画,画出了许多迷人的亲情小品。   

1900年代-雷诺阿晚年仍勤勉的在绘画上精进,他画了很多裸体的女性,将柔软的视觉触感表现的栩栩如生。   

1910年代-雷诺阿有生之年终于看到自己的作品被悬挂在罗浮宫中,   

1919年逝世。

雷诺阿是法国画家,最初与印象画派运动联系密切。他的早期作品是典型的记录真实生活的印象派作品,充满了夺目的光彩。然而到了(18世纪)80年代中期,他从印象派运动中分裂出来,转向在人像画肖像画中去发挥自己更加严谨和正规的绘画技法。   

在所有印象派画家中,雷诺阿也许是最受欢迎的一位,因为他所画的都是漂亮的儿童,花朵,美丽的景色,特别是可爱的女人。这些都会立刻把人吸引住。雷诺阿把从他们那里所得到的赏心悦目的感觉直接地表达在画布上。他曾说过:“为什么艺术不能是美的呢?世界上丑恶的事已经够多的了。”他还是女性形象的崇拜者,他说 “只有当我感觉能够触摸到画中的人时,我才算完成了人体肖像画。”   

雷诺阿在印象派绘画集团中是属于较年轻的一个,比莫奈也小一岁。这位艺术家一生的作品大多以明快响亮的暖色调子描绘青年妇女,尤其是她们的裸体形象。他以特殊的传统手法,含情脉脉地描摹青年女性那柔润而又富有弹性的皮肤和丰满的身躯。他虽也画了不少外光风景画和天真无邪的儿童形象,然而裸体与妇女形象占据他一生作品的主流。他的人体油画不同于以前学派画家所追求的那样虚伪和做作。雷诺阿的女人体,洋溢着一种欢乐与青春的活力,一个个都象是伊甸乐园里从未尝过禁果的夏娃,她们悠然自得,魅力惑人。 

人生经历

1840年代-雷诺阿生于法国Haute-Vienne的小镇里蒙,後来随家搬迁到巴黎。   

1850年代-因为在瓷器工厂学画瓷器,而开始绘画之路。   

1860年代-正式在巴黎习画,认识了相当多的画家朋友,包括莫内在内。   

1864年他正式有画进入沙龙展。这段时期雷诺阿的甜美画风大致出现了,他也专注在水面光影的画法改进上。   

1870年代-参加了沙龙落选画展,开始了印象画派的说明和推广。普法战争期间,他曾被政府误以为是间谍而逮捕。这个时期雷诺阿不像卡米耶·毕沙罗,高更等画家走避他乡,而是待在巴黎画了很多街头生活风景做为纪录,这些画作他都用大尺寸的画布绘画,经典之作煎饼磨坊的舞会(Bal du Moulin de la Galette或Dance at  《亨利奥夫人》Le Moulin de la Galette)就是1876年画出来的。此画有1.30米高,1.70米宽,现收藏于法国奥塞博物馆。

1880年代-1881年雷诺阿画出了另一个经典的作品:船上的午宴(Luncheon of the Boating Party)。但在此画之後,他逐渐放弃专注在制造光影的呈现,而趋向于较平实的描绘。这段时期他也旅游到西班牙意大利等国,并结婚生子了。   

1890年代-此时雷诺阿已可算成功的画家,安享家庭和乐的气氛当中,他仍继续绘画,画出了许多迷人的亲情小品。   

1900年代-雷诺阿晚年仍勤勉的在绘画上精进,他画了很多裸体的女性,将柔软的视觉触感表现的栩栩如生。   

1910年代-雷诺阿有生之年终于看到自己的作品被悬挂在罗浮宫中,   

1919年逝世。

雷诺阿《红磨坊的舞会》,画家生前贫病而死,但这幅画1990年卖出7810万美元高价。实在是很讽刺。
从技巧上来看,透过树叶的阳光斑驳的洒下来,这种光与色斑的处理手法,充分表现了印象派对现实生活中的光与色的变化的高度敏感。

这幅画集中体现了他所处的那个最具有印象主义精神的时刻。里面的人却穿着当代的服装。男人们都戴着高帽或草帽,女人们均穿着用箍扩撑着的裙子和腰垫。在这幅画中,一个室外的波希米亚舞会的平凡景象,变成了美丽的女人们和殷勤的男人们的充满光感和色彩的梦。一束束光线,忽隐忽现地在人物的色彩形体上摇拽着——有蓝的、玫瑰红的和黄的,细部交融在浪漫的烟雾之中,使得所有这些愉快人们的美感柔和起来,并提高了这种美的价值。

画中舞蹈着的是当时的蒙马特女王——拉.姑柳与男舞伴华兰丹。她是一个充满野性、缺乏教养的舞女。人们围着舞池,注视着这激烈的表演,谁也不在乎自己是谁,在这个地方就是尽情地享乐。

贝尔特·摩里索特(Berthe Morisot),1841年元月生于布尔日(Bourges),1895年三月死于巴黎法国画家。摩里索特是第一位加入印象画派的女画家,曾受教于柯罗(Corot),好友兼大伯的马奈(Manet)对她的画風有绝对的影响。摩里索特嫁給马奈的弟弟欧仁·马奈。不同于其他的印象派画家,摩里索特特別注重于色彩的光学体验,和美国的卡萨特(Cassatt)同被认为19世纪后半叶最主要的女画家。

画家贝尔特·摩里索特以女性特有的感性来描绘母亲和孩子以及画家的女儿,在摩里索特的作品里体现出女性特有的的细腻和稳健。摩里索特除了多次担任同时代大画家爱德华·马奈的模特以外,有人指出她和此人有师徒关系以上的(恋爱的)感情。

贝尔特·摩里索特小时候和她的妹妹埃德梅一起在约瑟夫伯努瓦·吉夏尔那里学习油画,她们受到了那里的画家作品的影响。后来,卡米耶·柯罗来到巴黎学习巴比松画派,开始在户外创作作品。贝尔特·摩里索特也转而向柯罗学习。

一八六四年画家卡米耶·柯罗首次入选沙龙后,在卢浮宫美术馆经由沙龙画家亨利·方丹·拉图尔的介绍与爱德华·马奈遇见。除了马奈受到极大的影响之外,莫奈、雷诺阿、毕沙罗、巴齐耶等巴蒂尼奥勒派(后印象派)的画家们和埃米尔·左拉等的美术批评家也受到了极大的影响。

一八七四年,贝尔特·摩里索特和爱德华·马奈的弟弟欧仁·马奈结婚,四年后的一八七八年她们的女儿朱莉·马奈诞生。结婚后的贝尔特·摩里索特参加了第四次印象派展览。

摩里索特一八九五年死于巴黎

她喜欢描绘室内景物,似乎想在熟悉、亲密的家庭环境中表现富有诗意的画面。这幅《摇篮》是女画家第一次参加印象派展览的作品之一。在画中描绘一位年轻的母亲注视着自己入睡的孩子情景,母亲和在纱帐内熟睡的婴儿构成了极为深情与和谐优雅的画面,毫无矫揉造作之态,这是出于一位温情女性之心理情感,这使画面十分纯洁,难怪雷诺阿称誉她为“纯洁的天才”,把她看着是优秀的室内情景画家。这幅画以笔触流畅、色调清新留在人们记忆中。

Young Woman Powdering her Face,Berthe Morisot

埃德加·德加(Edgar Degas,1834—1917)是印象派重要画家。埃德加·德加出身于金融资本家的家庭,德加的祖父是个画家,因此德加从小就生长在一个非常关心艺术的家庭中。

中学毕业后,埃德加·德加报考了美术学校,他在意大利学习意大利的艺术,特别是文艺复兴时期的艺术。与此同时,德加又在让-奥古斯特·多米尼克·安格尔(Jean-Suguste Dominique Ingres,1780-1867)的一位得意门生路易·拉莫特(Louis Lamott)的画室里学画。那时的德加临摹了15-16世纪的许多绘画和素描;当他回到巴黎时,他已经是一个学到一手安格尔画派好手法的、功夫很深的素描行家了。这种素描是一种古典主义的素描,是一种在学院里学习的素描(学院派),因此,爱德华·马奈(Edouard Manet,1832-1883)、皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir,1841-1919)、保罗·塞尚(Paul Cezanne,1839-1906)在不久后都起来反对这种素描,但德加对它的态度则不同,他非常崇拜古典主义的素描。德加对素描有天生的爱好,他喜欢纤细、连贯而清晰的线条,认为这种线条是高雅风格的保证和达到他所倾慕的那种美的唯一方法。线条成了他的欲望。在线的运用上,德加达到了所有安格尔的弟子及其追随者没有一个能够企及的、妙笔生花的地步。

但很快,德加锐敏的理智使他觉察到一股新的艺术气流,那就是“现实主义”。但这种理论主张放弃古希腊的美的理想,而代之以朴实、真挚地表现所见的事物。为了接近美的理想而又不脱离现实,德加创作手法就是运用干净的线条和运用明暗的技巧。如果要描绘现实,就必须使手法服从形象的个性化,这就是画肖像画。德加青年时期的肖像画准确地表现了他对素描的信仰、优异的技巧、细腻的感觉的过分的循规蹈矩。

后印象主义

《沙滩上的两个女人》是高更的作品,被称为“原始性的狂人”的高更(1848-1903),其艺术倾向表现出对时代文明的偏离,他像避开暗礁一样逃避现代文明的生活,并以风格化的艺术,给现代美术尤其是野兽派的产生带来了巨大的影响。为逃避文明世界的侵扰,寻找新的、更原始、更真实而又更真诚的生活方式,高更浪迹天涯,他抛下家庭、孩子和工作,拒绝接受轻易可以得到的荣誉和收获,长期生活于远离人烟的太平洋小岛———大溪地,一直住到去世为止。在塔希提岛上,高更发现了未经污染的自然的色彩、原始古朴的艺术,由此,高更以绝对认真的态度把这平实的形式、浓烈的色彩,画进了他的画中。这幅作品就是他来到塔希提岛不久后创作的。高更独特的作画方法得益于日本浮世绘的启迪。具体地讲,就是用平涂的色面、强烈的轮廓线以及主观化的浓郁凄艳色彩来表现经过概括和简化了的形,显出强烈的个性。他总喜欢用深绿和桔红的对比,再加上棕绿、淡黄与黑。这种色彩的偏爱,一方面是来源于对土人生活的感受,另方面也是因为他刻意追求热烈、粗野的美。

但是,我不喜欢,这种风格

一个执着的疯子,一个喜欢自画像,喜欢画向日葵的疯子。他生前穷困潦倒,死后每幅画作都可以卖到天价。而且当年他的作品不被人欣赏,而现在几乎成了有口皆碑的大师。世人就是这么势利这么无聊。

1890年6月创作于阿尔村的《阿尔的教堂》,是凡高晚期的作品。凡高在离开圣·雷米精神病医院后,曾在这里度过了一段平静又充满幻想的岁月,但此后又陷入极度痛苦和疯狂之中。从他那浓重而扭曲的笔画、所用的厚厚的颜色可以看出他内心有一种十分强烈的、几乎疯狂的戏剧感受。在凡高的眼中,天空不是宁静、清晰的,似乎是由某种奇怪的天体力量促动着;画面上,柏树长长的枝条仿佛是被扭曲了的火焰,太阳看上去随时要爆炸。画作表明了凡高对生活的悲观认识。在凡高的笔下,所有的人和事都充满了暴力和绝望,凡高把一切东西都扭曲、变形了——以上来自百度。但是我不觉得这些是扭曲的,在画家眼里,教堂就是这个样子。其实这幅画没那么绝望,用色还是很鲜亮活泼的

象征主义

象征主义是19世纪末肇始于文学,以后影响到美术、音乐等领域的一种文艺思潮。文学中的象征派有宣言,有理论,美术中的象征主义不过是一种艺术倾向而已。象征主义艺术家反对写实主义和印象主义对自然的客观摹写,强调主观精神的表现。他们认为人的内心世界是不明确的、难以把握的,只能通过象征的手法,用寓意和象征性的然而又是具体可感的形象来隐喻主题和情感,暗示微妙和神秘的内心世界,通过形象来寻找外在事物与内心世界的对应关系,带有神秘主义的色彩。

象征主义反映了当时一种不正视现实,向神秘的精神世界寻求灵感和启迪的思想倾向。其哲学根源来自尼采、柏格森等人的学说。柏格森认为,艺术的本质在于透过外在的帷幕,揭示其本质的“实在”。要穿透表面的东西,只能依靠对自然的超脱,这种超脱又依赖于感官和意识结构。因此象征主义者的创作中,常以描写主观精神为核心。不过他们尚未找到一种适合于表达其艺术观念的手法,因此仍沿用具象的、写实的手法。

雕塑

我也不知道什么流派

这幅有点抽象的端倪了。

结束

在博物馆消磨了整天,出来的时候已经暮色四合。博物馆也闭馆了。总算都看完了,比卢浮宫顺利。明天就要离开法国回到北京。不知何时再来呢,有点失落

本篇游记共含12584个文字,186张图片。帮助了游客。 举报

论懂艺术的重要性

2016-06-13 11:49

谢谢楼主的用心分享,介绍的这么详细,参考做攻略都省心很多了

2016-06-13 12:58

就该定期出去走走啊……(借楼主的地方感叹一下哈哈

2016-06-13 17:26

引用 丸子 发表于 2016-06-13 11:49:15 的回复:

论懂艺术的重要性

回复丸子:想和大家分享看博物馆啊

2016-06-13 17:53
此评论来自蚂蜂窝自由行APP蚂蜂窝自由行APP

引用 冰雨星 发表于 2016-06-13 17:26:59 的回复:

就该定期出去走走啊……(借楼主的地方感叹一下哈哈

回复冰雨星:握爪

2016-06-13 17:53
此评论来自蚂蜂窝自由行APP蚂蜂窝自由行APP

引用 hensen 发表于 2016-06-13 12:58:14 的回复:

谢谢楼主的用心分享,介绍的这么详细,参考做攻略都省心很多了

回复hensen:谢谢喜欢

2016-06-13 17:53
此评论来自蚂蜂窝自由行APP蚂蜂窝自由行APP
返回顶部
意见反馈
页面底部